Categoria: Equipamento

A respeito do post sobre o The Impossible Project, publicado no blog do 508: o projeto em questão é uma iniciativa para reviver os filmes fotográficos instantâneos, depois que a Polaroid abandonou a fabricação desse tipo de produto em 2008. Sempre que esse assunto é trazido à tona, fala-se na viabilidade econômica, na necessidade de adequar o produto à era digital e que o filme instantâneo morreu porque o que se consumia não eram as fotos, e sim a possibilidade de vê-las logo após a captura.

Isso tudo pode estar correto, mas para os fotógrafos, especialmente aqueles que utilizavam as Polaroids como uma forma de expressão, o que morreu foi toda uma linguagem fotográfica. A moldura branca texturizada, o formato quadrado (embora existam câmeras instantâneas que produzem fotos retangulares), cores características e, sobretudo, a tendência a uma atitude fotográfica mais descompromissada, quase como um precedente do movimento Lomo que surgiu há alguns anos.

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Não é novidade para ninguém que o atual modelo econômico é baseado no consumo. Essa característica vem se acentuando nos últimos cinquenta anos, atrelando o desenvolvimento a níveis cada vez maiores de produção de bens e escoamento desse material. Isso leva a uma necessidade cada vez maior de que os consumidores comprem novos produtos. Existem algumas técnicas empregadas pelos fabricantes para atingir este objetivo.

Uma das formas mais eficazes é a obsolescência programada. Isso significa que um produto é desenhado para durar um determinado período de tempo e, após esse período, quebrar ou parar de funcionar de forma adequada. Isso é bastante comum entre produtos de baixo custo, que quando dão problema compensa mais trocar por um novo do que mandar consertar, por exemplo. Com isso, o consumidor mantém a roda da produção e do escoamento girando. Uma câmera fotográfica simples tende a durar muito menos do que uma câmera profissional, pois é como se você fosse obrigado a arcar com um custo extra para ter um produto que não terá que trocar depois de um tempo. De um jeito ou de outro, depois de um tempo, você acaba gastando uma quantidade semelhante de dinheiro para usar um produto (ou vários com a mesma função) por um determinado período de tempo.

No entanto, a obsolescência programada pode ser arriscada para a empresa, pois o consumidor pode mudar de marca por conta da quebra do produto. A técnica é efetiva quando o período é suficiente para que o consumidor compre outro produto, mas ao mesmo tempo permaneça satisfeito com a marca.

Uma técnica muito mais empregada em equipamentos eletrônicos não é fazer com que os produtos quebrem, mas que pareçam obsoletos, o que é chamado de obsolescência percebida. A maior parte dos fotógrafos não troca de câmera porque o seu equipamento quebra, mas porque acreditam que ele ficou antiquado e não atende mais as suas necessidades. As necessidades, é claro, são criadas pelo próprio mercado que precisa gerar um nível de insatisfação no consumidor suficiente para que ele troque de equipamento, a fim de atender as necessidades que ele não tinha antes. Esse é um processo contínuo, alimentado pelas “inovações” oferecidas pelo fabricante. Sobre esse tema, há no Multiply um ótimo texto do Ivan de Almeida.

Entre o lançamento de duas câmeras topo de linha da Nikon, a F (1959) e a F2 (1971), se passaram 12 anos. Entre as mais recentes topo de linha da mesma marca, a D2X e a D3, se passaram 3 anos. Só um ano separou o lançamento de duas câmeras profissionais da Canon, a 40D e a 50D. Como fazer com que os usuários troquem rapidamente de equipamento para manter esse sistema rodando cada vez mais rápido? Dizendo: você precisa de mais megapixels, mais qualidade, mais resolução, mais botões. Sua câmera já era, mas não se preocupe, pois temos uma nova. É só passar no caixa.

É claro que se olharmos de perto, vamos ver que pouquíssima coisa muda nos produtos e que as tais inovações são meramente cosméticas ou muitas vezes apenas um nome sofisticado. “Processador de quinta geração”, “foco ultrassônico”, “super estabilizador” e por aí vai.

Nesse momento, podemos pensar que não é possível que as pessoas não percebam isso e caiam nessa armadilha. Especialmente na fotografia, que afinal se trata de arte, não de consumo. Então vamos até uma lista de discussão sobre o assunto e argumentamos que as novas tecnologias não são mais que nomes bonitos ou no máximo algo para atender uma necessidade que não temos. A resposta de alguns é de que somos retrógrados, não aceitamos o novo, que as inovações são importantíssimas, fundamentais e que graças aos céus temos fabricantes tão preocupados com o nosso bem-estar. Vemos inclusive que os consumidores defendem com unhas e dentes essas mesmas companhias que os colocam num estado permanente de insatisfação e angústia com o único propósito de manter os seus lucros. E aí temos que admitir que as agências de publicidade fazem um baita de um bom trabalho.

A propaganda é a chave, pois é através dela que o consumo é incentivado. E ela não está apenas nos comerciais. Está nos filmes, nos jornais, nos discursos políticos. Lembro bem das minhas aulas de psicologia do consumidor, em que o truque era bem explicado: você tem que fazer o cara se sentir realmente mal com o que ele tem (mesmo que seja com o que você falou para ele comprar na semana passada), e em seguida mostrar que a solução está no shopping mais próximo. Basta abrir a carteira e levar mais uma caixa pra casa e você se sentirá ótimo. Pelo menos por meia-hora (ou até inventarem mais uma necessidade). E a coisa funciona muito bem.

Quando dei aulas de marketing numa escola técnica, lembro das definições dos livros: marketing é atender as necessidades dos consumidores com a geração de lucro. Eu não sabia exatamente por quê, mas aquilo não parecia se encaixar muito bem. Que necessidades são essas? De onde vêm? E o lucro? Pode ser criado infinitamente? Logo em seguida, já havia uma defesa dos marketeiros, dizendo que eles não criavam necessidades, apenas atendiam os anseios genuínos das pessoas. Dá quase para verter uma lágrima frente a tanta nobreza. Mas aí, lembramos: eles são publicitários! Fazer propaganda positiva da própria publicidade faz parte do negócio.

Nem é preciso dizer que esse modelo não é viável por conta da finitude dos recursos naturais do planeta (se você ainda não viu, confira o vídeo A História das Coisas). Além disso, provoca um impacto social fortíssimo em comunidades menos favorecidas, para bancar uma produção que é sustentada pela constante insatisfação e infelicidade das pessoas.

Mas será que todo esse modelo é compatível com a produção artística — em um nível pessoal, não mercadológico, ou cairemos no mesmo esquema — na qual a fotografia amadora séria está inserida? O que percebo, no entanto, é cada vez menos essa fotografia como expressão de ideias, sentimentos, estética e criação e cada vez mais como uma expressão desse consumismo. É preciso justificar para si mesmo o consumo, e quando o consumo é de equipamento fotográfico, é preciso fotografar. E, de preferência, de uma forma que seja convincente de que todo o gasto (sem o falso eufemismo de chamar isso de investimento) com esse material se justifica por fotos melhores. Fotografo uma textura para mostrar como a resolução da minha máquina é boa, um objeto em movimento para justificar a lente com foco ultrassônico, um pássaro preto à meia noite para ver como o ISO alto funciona e por aí vai. Ou seja, esse modelo é tão vicioso (embora incrivelmente eficiente) que ele contamina até mesmo a forma de fotografra, que deveria estar relacionada apenas à expressão livre e pura da alma do fotógrafo.

Não é fácil fugir disso, já que estamos envoltos totalmente por essa forma de fazer as coisas funcionarem. Mas podemos ao menos ser um pouco mais conscientes. Não aceite que uma propaganda diga qual é a sua necessidade, descubra você mesmo o que de fato você precisa. Não seja ingênuo a ponto de defender um fabricante, a única coisa que o move é o lucro, e fazer você acreditar que ele se preocupa com você é apenas mais uma forma de continuar obtendo esse lucro. Faça sua fotografia valer pelo conteúdo. Uma boa fotografia não depende de quinhentos megapixels nem de focos ultrassônicos, depende de alguém que use a câmera (seja ela qual for, é o que menos importa) com paixão, com vontade de dizer algo, de mostrar ao mundo qual é o seu ponto de vista. Com isso, você garante que ao menos a sua fotografia será um pouco mais livre.

Recentemente, diminuí a quantidade de fotos próprias postadas na internet, tanto em galerias como o Flickr como em fóruns e outros espaços. Concomitantemente, passei a ampliar uma quantidade maior de fotos. Meu formato preferido é o 15×21, um tamanho razoável mas que ainda é fácil de transportar e manipular. Para fotos mais importantes ou para montagens em molduras e painéis, uso o 20×30. Para isso, costumava usar o serviço de um laboratório para o qual enviava minhas fotos pela Internet e as recebia de volta pelo correio.

Embora a cópia em papel fotográfico feita em minilab tenha resultado satisfatório em relação à resolução da imagem, esse processo tem alguns inconvenientes. O primeiro — e mais importante para mim — é a falta de controle no processo. Por mais que os bons laboratórios aceitem as solicitações para não alterar as imagens no que se refere às cores, contraste ou cortes, muitas vezes a própria calibração da máquina já leva a um resultado diferente do esperado. O segundo é o tempo que se tem para receber as fotos, ou a necessidade de levá-las e buscá-las fisicamente na loja. E o terceiro é o custo: ainda que pequeno quando consideramos quantidades reduzidas, pode se tornar alto quando fazemos da ampliação uma rotina. Para efeitos de comparação, podemos ter em mente o preço de um laboratório bom e barato: R$ 1,60 para a cópia em 20×30 e R$ 4,00 para uma ampliação em 20×30.

Nunca tinha pensado em imprimir fotos na minha multifuncional Epson CX4900, um modelo já velhinho, com quatro cartuchos (ciano, magenta, amarelo e preto), até que um amigo me enviou pelo correio algumas de suas fotos, impressa uma Epson da mesma geração. Os resultados eram surpreendentes em termos de resolução e bastante vívidos no contraste e nas cores. Resolvi fazer o teste. Comprei algumas folhas de papel especial para impressão em alta resolução (que é chamado de papel fotográfico para impressoras jato de tinta) e mandei alguns arquivos digitais para a multifuncional. Mesmo sem nenhum tipo de calibração, as impressões me surpreenderam. Boa nitidez, cores e contrastes ótimos. E o melhor de tudo, sem ter ninguém interferindo no meu processo: fotos feitas diretas de arquivos Tiff de 16bits geradas a partir de RAW. Nada de compressão de JPEG pelo caminho.

Rapidamente fiz mais de 10 fotos em folhas A4, que é quase o tamanho de uma cópia em 20×30. O software que vem com a impressora permite escolher o perfil de cor ou selecionar simplesmente o modo Adobe RGB para calibração das cores. Tentei algumas fotos PB, que saíram um pouco colorizadas. Usei uma opção de usar apenas tinta preta, que resolveu a questão da cor, mas gerou fotos muito escuras. Foi preciso alguns ajustes e algum tempo até acertar o nível de contraste que levava a impressões mais fidedignas. Felizmente é possível ajustar níveis de brilho, contraste e de cada cor da impressora individualmente e salvar os resultados dentro do seu próprio programa. Todo esse processo pode ser um pouco frustrante, mas de forma geral é divertido, pois passamos a buscar o resultado quase de forma alquímica. É quase a mesma satisfação de ampliar quimicamente as próprias fotos e conferir o resultado surgindo no papel.

Mas, quando conseguimos obter a qualidade desejada na impressão, surge a questão dos cartuchos. Esses da Epson tem apenas 7ml de tinta e, como é possível imaginar, não agüentam muitas folhas A4 cobertas de tinta em qualidade máxima. E com cada cartucho custando cerca de R$ 25, esse sistema não seria muito econômico, além de pouco prático. Passei então a pesquisar formas alternativas.

Um sistema de tinta contínua (continuous ink system), também chamado de bulk ink, parecia ser a solução para os meus problemas. Pesquisei e comprei um desses industralizados, com chips que enganam a impressora e apontam estar cheios independentemente da quantidade de tinta nos cartuchos. Os recipientes não têm as esponjas dos originais e são alimentados continuamente pelos reservatórios que ficam ao lado do equipamento, através de mangueiras de silicone. A instalação foi um pouco suja, e a parte de puxar a tinta para os cartuchos com a seringa, com cuidado para evitar a entrada de ar é a mais complicada.

Impressora com bulk ink instalado

Logo depois de instalado, o sistema parece falho: as impressões não saem 100% e aquele teste de impressão de linhas para verificar a necessidade de limpeza não fica bom, por mais que se faça o procedimento de limpeza das cabeças. Após um ou dois dias e algumas impressões depois, a coisa fica muito boa. Imagens perfeitas e sem falhas. Parece que é preciso de algum tempo para a tinta “assentar” ou para algum resquício de ar ser eliminado.

No entanto, para a impressão de fotos, há dois aspectos importantes com os quais a preocupação é contínua: a tinta e o papel. Há dois tipos de tinta, a corante e a pigmentada. A corante tem cores mais vivas, mas diz-se que desbotam com o tempo. Fala-se que a pigmentada é mais resistente, mas pode entupir as cabeças de impressão. Em ambos os casos, há fabricantes afirmando que suas tintas corantes não apagam com o tempo e suas pigmentadas são finas o suficiente para não causa entupimentos. Minha experiência não permite dizer se isso são mitos ou verdades. Estou usando tinta corante Formulabs, que é uma das marcas com maior referência de qualidade. É importante que o fornecedor seja idôneo e de fato entregue a tinta que promete. Desconfie de preços muito baixos.

O papel também é fundamental. Há diversos tipos e qualidades, de forma que o uso pode determinar qual tipo comprar. A gramatura é um ponto importante: quanto maior, mais denso é o papel, portanto mais firme e geralmente mais espesso. Geralmente há as opções de glossy (brilhante) e matte (fosco), mas esse último é diferente do fosco que estamos acostumados em laboratório, que se assemelharia mais ao semi-glossy para impressão em jato de tinta. Há outros com texturas e acabamentos especiais, como o canvas. Há material desenhado especialmente para fine art e portanto com valor compatível. Eu optei, para o uso diário, pelo Studiolab 270 g/m² e acabamento semi-glossy. O custo é relativamente baixo (R$ 1,45 por folha A4) e a qualidade é boa, recebendo bem a tinta. Papéis mais baratos dão a impressão da tinta estar depositada em blocos sobre o papel, enquanto nesse a tinta parece estar incorporada, parecida com uma fotografia por processo químico.

Fotos 15×21 impressas com o sistema

Considerando que 400ml de tinta saem por R$ 40 (enquanto um cartucho original sai por R$ 25, com 7ml) e se estimarmos, bem por alto, que com isso dá pra fazer pelo menos umas 100 fotos (embora deva ser bem mais), podemos estabelecer um custo de R$ 0,40 por impressão. Ou seja, temos um gasto de R$ 1,85 por foto A4 em qualidade máxima, contra R$ 4,00 de uma ampliação 20×30 no laboratório. Tenho feito também muitas impressões em 15×21, colocando duas fotos em uma mesma folha A4 e depois refilando com estilete. O custo, nesse caso, é de no máximo R$ 0,92 por impressão.

Quando se altera o papel ou a tinta, pode ser necessário refazer o acerto de cores e de contraste, de forma que é interessante salvar as preferências de acordo com os tipos de insumo utilizados para não perder tempo a cada mudança. O ideal é manter o mesmo tipo de papel e o mesmo fornecedor de tinta para não se preocupar com isso.

É importante ressaltar, no entanto, que na Internet há muitos relatos de pessoas que não se deram bem com o sistema. Impressões de baixa qualidade, problemas nas cabeças de impressão e até mesmo inutilização dos equipamentos. O bulk ink invalida a garantia da impressora, então é melhor instalar apenas após o período coberto pelo fabricante. Há algumas empresas que fazem a instalação do sistema e dão garantia do mesmo, o que pode ser uma boa alternativa para quem quer diminuir os riscos.

A conclusão é de que a impressão caseira, mesmo em impressoras simples, atinge um nível de qualidade suficiente para a maior parte das aplicações. Tenho pensado que as fotos devem ser objetos e não permanecer apenas na tela do computador, como fotos “fantasma”. Essa experiência muda a concepção que temos sobre a própria produção, pois só uma foto viva, em suporte físico de tamanho razoável permite dizer se de fato o que estamos fazendo é bom ou não. E o sistema de tinta contínua é um ótimo caminho para que isso possa ser feito rotineiramente sem a preocupação com os gastos com tintas originais. A qualidade pode ser ainda maior com modelos mais novos e robustos de impressora, que empregam 6, 8 ou até mais cartuchos. A fotografia digital permitiu que o fotógrafo assumisse grande controle sobre as suas obras, e a última parte do processo, a impressão, também pode também fazer parte do seu fluxo de trabalho, propiciando a cada foto um sentido de autoria ainda maior.

Agradeço aos amigos Ivan de Almeida e Fernando Aznar pelas dicas e conversas sobre o assunto durante as últimas semanas.